2016: el año maldito, el año que nos mató a tantas leyendas ha terminado.

Y mientras todos nos embriagamos tampoco olvidamos hacer nuestras listas, esta en específico es la tradicional lista sobre discos del año. Devoro discos, porque es un tema que me apasiona tanto como el cine, aún si mi poca inteligencia me permite comprender una escala de notas musicales pero esos son limitantes basadas en un porcentaje de mala suerte que me rodea.

Aquí hay de todo, y notarán un tema recurrente en la mayoría de los trabajos que hoy por hoy, me van a hacer voltear al pasado y pensar en “Sí, 2016 no estuvo tan mal”.

20.- RUN THE JEWELS/RUN THE JEWELS 3

Fue bueno comenzar a hacer la lista de los mejores discos del año después del 25 de Diciembre, porque esto apareció. Lo esperábamos con ansias, pero nos agarró en plena cruda moral y física cuando más lo necesitábamos; Killer Mike y El-P se lucen con su sonido agresivo, repleto de testosterona que de alguna manera te hace sentir activo pero creo que en esta ocasión sus letras comienzan a tener un peso que va desde las habituales frases políticas -que los otros dos discos tenían- a momentos de vulnerabilidad en donde los dos raperos hablan sobre las pérdidas que han tenido en los años y la amistad que ha encontrado un nicho en la cultura popular. Y es que seamos honestos… no hay otro grupo como RTJ, uno que decide terminar el año con un gran disco sin importar aparecer en las listas de los mejores del año, parte de su teatralidad llena de sorpresas.

Tracks destacados: Call Ticketron, Hey Kids (Bumaye), Stay Gold, Oh Mama, Thursday in the Danger Room, A Report To The Shareholders : Kill Your Masters.

19.-  FRANK OCEAN/BLONDE

Extrañaré esos días en los que la gente editaba Wikipedia para burlarse de la carencia de un disco nuevo de Frank Ocean, pero en vez de esta nostalgia estúpida, tenemos un gran disco por parte de un artista que no tiene miedo a mostrarse vulnerable y melancólico sin miedo al qué dirán y también mostrando su afinidad para escribir letras que se vuelven un placer el descubrir sus significados un viernes por la tarde. Reflexiones del uso de las drogas, el sexo, y la falta de un amor solidario son parte de la psique de un artista que nos invita a entenderlo… y de paso también comprendemos que Frank Ocean no se trata de sacar discos a lo idiota, sino que sus afinidades se sincronizan con sus sensibilidades sin necesidad de siquiera presumir del éxito y cosas banales. Fueron 4 años pero el único miembro valioso de Odd Future nos sorprende con un bellísimo trabajo.

Tracks destacados: Solo, Self Control, Pretty Sweet, Seigfried, Godspeed.

18.- MICHAEL GIACCHINO/ROGUE ONE: A STAR WARS STORY

Conozco mucha gente que se ha quejado del trabajo de Giacchino en la nueva película de Star Wars, siendo la primera razón el hecho de que John Williams no sea el encargado de la batuta en esta ocasión. En realidad no es primera vez que esto pasa, las películas de los ewoks y el piloto animado carecen de la música de Williams, si uno supera esta noción, se encontrará con un trabajo sobresaliente en la saga y que también sorprende porque Giacchino sólo tuvo unas cuantas semanas para componerlo debido a la salida de Alexandre Desplat del proyecto. Giacchino ya había suplido a Williams en otra franquicia –Jurassic Park– y toma el mismo concepto: respetar el estilo del anterior compositor y jugar con los temas también otorgando su cucharada en el sonido; el score nos remite a la época en la que componía para videojuegos como Call of Duty y también tiene la noción de que los temas nuevos se mueven entre las sombras de los clásicos, como el tema imperial, el de Darth Vader y el de la rebelión. Nada mal para un sujeto que con poco tiempo tuvo que ser creativo, y de paso volverse el geek más afortunado de la historia al componer en el mismo año para Star Trek y Star Wars.

Tracks destacados: Jedha City Ambush, Rogue One, AT-ACT Assault, Your Father Would Be Proud, Hope, Jyn Erso & Hope Suite, The Imperial Suite, Guardians of the Whills Suite.

17.- LEONARD COHEN/YOU WANT IT DARKER

Leonard Cohen ya lo sentía, se veía al espejo y sabía que tarde o temprano se iba a despedir del mundo, la muerte de su eterna musa le hizo escribir una carta bastante emotiva al respecto, y tuvo el temple de soportar apenas saliera su nuevo trabajo: You Want It Darker, un cierre de telón a una carrera llena de muchas altas. Aquí están las letras que uno espera: es Leonard entrando en un estado zen para recibir la muerte en su cuerpo, de que todo está listo y la calma roza su rostro con una finura, que bien no complementa una voz áspera pero que expresa conocimiento  y genialidad de uno de los cantautores que por desgracia ya no está con nosotros.

Tracks destacados: You Want it Darker, Leaving the Table, If I Didn’t Have Your Love, Traveling Light, It Seemed the Better Way, String Reprise/Treaty.

16.- DEATH GRIPS/BOTOMLESS PIT

Cada que leas o escuches que un nuevo disco de Death Grips es más sencillo de escuchar, no hagas caso: ese fue el “fallido” No Love Deep Web. Aquí persiste el sonido abrasivo y violento de Zach Hill y Andy Morin -que hace que el ajeno se te quede mirando con una mirada incrédula- con un MC Ride paranoide escupiendo conceptos violentos y burlescos al micrófono. Lo que es cierto es que Botomless Pit comienza a crecer contigo en una situación similar al síndrome de Estocolmo: comienzas a apreciar de que exista una banda que decida tener este sonido grotesco que mezcla punk, avant-garde, hip hop y dubstep y que en esta ocasión decida volverse un disco nihilista, cuestionándose su propio legado e impacto en un mundo moderno que los considera dioses sin corona del mundo musical de tus pesadillas ácidas.

Tracks destacados: Giving Bad People Good Ideas, Hot Head, Eh, Bubbles Buried In This Jungle, Trash, Three Bedrooms In A Good Neighborhood.

15.- A TRIBE CALLED QUEST/WE GOT IT FROM HERE… THANK YOU 4 YOUR SERVICE

Este disco es una cápsula de tiempo: el estilo y producción del grupo parece haberse quedado en un agujero de gusano de los años noventas, y todo para que A Tribe Called Quest decida despedirse del mundo de la música. Phibe Dawg parecía ser el motivador de una reunión por el frágil estado en el que se encontraba, y esto no evitó que siguiera asistiendo a grabaciones y dejar su espectro en el estudio. Sin Phibe, los demás deciden hacer un disco en honor a su compañero caído y de paso cerrar un ciclo de música jazz rap acompañado de artistas como Kanye West, Andre 3000, Talib Kweli y Kendrick Lamar que los consideran pioneros, ídolos y aquellos que se diferenciaron de todos los demás grupos

Tracks destacados: The Space Program, We The People…., Kids…, Melatonin, Lost Somebody, Conrad Tokyo.

14.- CHILDISH GAMBINO/AWAKEN MY LOVE

Este era el disco que más estuve esperando el año. No puedo decir que “Because The Internet” es de mis discos favoritos, pero sí me hizo conocer a Donald Glover, o Childish Gambino, quien trataba de romper una barrera entre artista, historia conceptual, personaje y estilo en una jugada que le ganó seguidores y el odio de la crítica… Y luego llegó “Me and Your Mama”, la cual de seguro escuché aproximadamente 10 veces por día. Qué cambio de estilo, abandonando todo lo que había cosechado generando debates sobre si era un genio o fraude; Gambino parece cantarle a su estilo, al hecho de que tengan que separarlo en un género y le dice adios mientras abraza el estilo soul y funk en un disco entero que también se da tiempo de ser reflexivo y que no lo disfraza como un ídolo: sigue siendo el mismo Gambino de antes pero explora otros sonidos que le apetecen. Eso lo vuelve el disco más atrevido del año, uno que de seguro le generó más enemigos de aquellos que con capa y espada lo defendían pero que aún no entienden la forma en la que se desenvuelve como artista.

Tracks destacados: Me and your Mama, Have Some Love, Boogieman, Riot, Redbone, Stand Tall.

13.- RAMIN DJAWADI/GAME OF THRONES: SEASON 6

Ramin Djawadi es el compositor al que le tienes que agradecer tu ringtone con el tema de la serie de televisión que te lastima y no puedes abandonar. Ha estado creciendo con el programa y aventurándose más y más en el terreno fílmico, pero por fin este año entrega un material exigente, lleno de tantos matices y que lo vuelven uno de los factores por el que la serie terminó con esa calidad que demandábamos ¿No me creen? solamente es necesario escuchar Light of the Seven para entender que se siente confiado para tomar estilos renimiscente a Philip Glass o los pequeños cambios de percusiones de Main Titles que anuncian con bombo y platillo el gran desenlace de la serie. Ha sido el mejor disco de la serie a diferencia de los pasados que se rescataban por dos o tres canciones.

Tracks destacados: Main Titles, Blood of my Blood, Light of the Seven, Needle, The Red Woman, Hold the Door, Khaleesi, Reign, The Winds of Winter, The Tower.

12.- ANDERSON PAAK/MALIBU

Anderson Paak ya tiene una muy merecida nominación al Grammy, dando a entender que el éxito viene de un crecimiento como artista que él ha estado manejando tan bien. Capaz de mezclar versos de rap con un soul y blues de manera natural Paak no es ajeno a los temas que tanto aqueja a los artistas de su estilo -excesos y peligro de la fama- pero aquí lo que funciona es que lo realiza de manera narrativa mientras el propio Paak se pone a recordar las dificultades de su infancia (en donde unos tennis son su posesión más valiosa), su relación con su esposa e hijo, y su sueños que ahora que los cumple, ven en perspectiva a su versión infantil para recordar lo que es ser feliz. Es un disco que en ningún momento se vuelve pesado, y la voz que tiene resulta bastante seductora al grado de que gente que no escucha rap termina apreciando los alcances del artista. Nada mal para un tipo que empezó su producción musical con una computadora vieja y que gracias a la despedida de Dr. Dre se comienza a apreciar.

Tracks destacados: The Bird, Heart Don’t Stand a Chance, Am I Wrong, Parking Lot, Room in Here, Come Down, The Dreamer.

11.- BEYONCE/LEMONADE

“¿Quién es esa tal Becky?” debe de ser la pregunta más realizada del año pasado, algo que dejaba una pista de que este disco era algo más, tenía su concepto arraigado con la vida y desmoronamiento de pareja de Beyonce. Fuera de los ataques debajo de la mesa, lo que está en Lemonade es una mujer que se cuestiona, que se enfurece, y que comienza a tener su sanación personal mientras explora otras cosas que minimizan sus problemas de amor. Es una pena que el disco no se encuentre en el formato de streaming -debes de usar Tidal, y nadie usa eso- porque de haber sido así, los himnos de Beyonce hubiesen tenido aún más impacto del que de por sí tuvo, pero supongo que cuando eres dueño del mundo puedes hacer lo que se te da la gana.

Tracks destacados: Pray You CatchMe, Don’t Hurt Yourself, Sorry, 6 Inch, Daddy Lessons, Sandcastles, Freedom, All Night.

10.-V.A/THE GET DOWN

Los artistas que aparecen en este disco se codean con algunas versiones intactas de música de los 70’s como Donna Summer y Garland Jeffreys, entonces no queda de otra mas que crear odas para esa década, y se amoldan, capturan ese sonido y el estilo de patines y montones de cocaína con canciones que se vuelven adictivas, siendo los trabajos más destacables de Miguel, Christina Aguilera, Leon Bridges y… de la nada encuentras diciendo que Zayn y Jaiden Smith no son tan pésimos.

9.- CAR SEAT HEADREST/TEENS OF DENIAL

Si hay un disco que captura toda la represión juvenil, inconforme con su realidad y que se alimenta de la depresión día a día volviéndola su complemento de vida, es Teens of Denial. de sonido sucio y lo-fi pero nunca amateur, aquí la fuerza radica con la excelentes letras de Will Toledo, que son honestas, libres de azúcar pero repletas de humor que reflejan un mensaje más poderoso sobre el fracasado de suburbia que se droga, emborracha, y sigue siendo un soñador a pesar de no lo parezca.

Tracks destacados: Fill In The Blank, Vincent, Destroyed By Hippie Powers, (Joe Gets Kicked Out of School for Using) Drugs With Friends (But Says This Isn’t a Problem), Cosmic Hero, The Ballad of the Costa Concordia, Connect the Dots (The Saga of Frank Sinatra).

8.- IGGY POP/POST POP DEPRESSION

Post pop Depression es el hijo de Iggy Pop y Josh Homme, uno que realizaron en secreto y que ayudó a los dos a sobrellevar problemas personales. Adquiere un sonido similar al de Iggy Pop de los 70’s cuando este y David Bowie influyeron en su estilo y se volvieron buenos amigos, a lo cual parece ser la intención de Post Pop Depression: un homenaje a David Bowie lo cual no suena tan trillado cuando hay canciones como Gardenia en la que Iggy Pop asimila el estilo y voz de su amigo. Cantarnos “I’m nothing but my name” y decidir alejarse de los demás en la última canción parece darnos a entender de que Iggy se aleja de una vez por todas, pero nos dejó un último regalo antes.

7.- JUSTIN HURWITZ/LA LA LAND

Necesitamos de la música en nuestras vidas para que se vuelva el alimento del alma. Justin Hurwitz parece haber entendido eso a la hora de componer La La Land, el musical que además de ser una bofetada a los estándares tradicionales de los estudios de Hollywood funciona por la contagiosa efusión de sus canciones, que desde el principio te hacen querer bailar, encontrar quien te entienda y explotar de felicidad. Es muy adictivo incluso si no se ha visto la película, sirve como una capa de aderezo dulce a las situaciones de la película y la verdad es que Ryan Gosling y Emma Stone funcionan no por tener las voces de Broadway que caen en el cliché, pero sí por tener una naturalidad de aquella persona que conoces, que es soñadora, y que tiene una voz entrenada por tantos años de no callarse. Y evolucionan, hay un cambio de la explosión de las primeras canciones hacia el final más sombrío sin siquiera perder esa emoción de la vida y de lo que vale la pena soñar.

Tracks destacados: Another Day Of Sun, Someone In The Crowd, Mia & Sebastian’s Theme, Herman’s Habit, Planetarium, City Of Stars, Audition (The Fools Who Dream), Epilogue.

6.- SWANS/THE GLOWING MAN

Swans es una banda que desafía toda categoría, que resurge irregularmente. Es una banda que al momento de sacar un nuevo trabajo exige su atención y momento para escuchar, en pocas palabras no es algo que quieras poner en una fiesta (pobre de ti si lo haces), por lo tanto no es extraño escuchar aquellos que experimenten su música como parte de una trascendencia espiritual, o una banda que resulta ser demasiado tediosa. Yo me incluyo en los primeros, porque, a pesar de que Michael Gira podría parecer un loco predicador caminando por la calle repitiendo una y otra vez la misma letra, guarda en sus letras una fuerte necesidad de obtener respuestas, de entrar en un delirio religioso y a veces volverse loco al no obtener el resultado que esperaba, y todo en un tono decadente, como si se tratase de un cadáver atrapado en las fauces de un océano. Este ha sido el que más escuche de la última trilogía de Swans y creo que será interesante ver qué sucederá con su estilo ahora que entra en la crisálida que al parecer necesita.

Tracks destacados: Cloud Of Forgetting, Frankie M, When Will I Return?, The Glowing Man, Finally Peace.

5.- NICK CAVE AND THE BAD SEEDS/SKELETON TREE

Algunas veces, la música es para desafiar a los demonios internos que el artista tiene, y para desahogar su sufrimiento, Nick Cave hace esto en Skeleton Tree. A pesar de que no esté confirmado, la muerte de su hijo influyó en la creación de este disco, uno que resulta muy difícil de escuchar no por lo críptico del significado de sus mensajes -algo nada ajeno al grupo- sino por la voz de Cave que presientes que en un momento se va a quebrar en el llanto (I Need You), mientras metafóricamente habla sobre cuánto extraña aquel que perdió y cómo lo sobrelleva (Girl in Amber). Eso lo hace muy pesado, pero es una valentía de disco al exponerse tan temprano a una situación que nadie debería pasar… pero a veces el mundo no tiene muchas respuestas y tenemos que improvisar en el momento.

Tracks destacados: Jesus Alone, Girl in Amber, Magneto, I Need You, Distant Sky.

4.- STURGILL SIMPSON/A SAILOR’S GUIDE TO EARTH

A Sailor’s Guide to Earth es un disco de country obligado. En un año en donde la depresión, la muerte y el odio han generado canciones de advertencia, Sturgill Simpson le deja una carta de amor a su primer hijo, usando el océano como metáfora sobre lo fácil que es perderse en lo vasto de la vida, de que aprenda a vivir y a disfrutar cada momento de su infancia, adolescencia, y madurez. Es como si “Father and Son” tuviese una expansión hacia todo un disco, y lo mejor de todo es que es uno que se pasa tan rápido, con canciones de blues, orquesta, baladas y sorpresivamente un cover de “In Bloom” de Nirvana que lejos de volverse una falla se acomoda con esta obra sobre un hombre que contempla el nacimiento de su primogénito como la chispa de creatividad que necesitaba.

Tracks destacados: Welcome To Earth (Pollywog), Keep It Between The Lines, In Bloom, Brace For Impact (Live A Little), Call to Arms.

3.- KENDRICK LAMAR/UNTITLED UNMASTERED

Mientras que todo mundo considera genio a un rapero que habla sobre blanqueador anal, existen otros como Kendrick Lamar, que con un ep recopilatorio de canciones descartadas de sus anteriores dos discos demuestran que la decisión de no incluirlas en el trabajo final no es por su poca calidad. Aquí no hay una historia que conecte las canciones, pero entre los números que ocultan un anónimo disfrazado de basura, está el habitual interés de Kendrick de buscar respuestas sobre cómo actuamos y las tensiones raciales que sirven como un mensaje profético del que no solemos prestar atención ¿Ya mencioné que son canciones descartadas?

2.- RADIOHEAD/A MOON SHAPED POOL

Radiohead se embarcó en un viaje que sólo ellos comprendían; su música se fue haciendo más conceptual, abandonando el concepto de lo que fueron para entrar en una etapa más exploratoria que nunca disfruté… a pesar de los eternos debates con melómanos que aseguraban que eran discos excelentes, nunca logré conectar con In Rainbows ni mucho menos con The King of Limbs (disco que fue un tema de debate acalorado en mis tiempos de universitario, aún si este tema no era el indicado para la clase de economía). 5 años después, la banda parece haber terminado este ciclo y vuelve con un disco que aprovecha muchos elementos; la mentalidad de Thom Yorke quien parece abatido por sus problemas maritales y que vuelve a este disco como un de sentido patético. Y a eso sospecho que se le debe de sumar la evolución musical de Jonny Greenwood, quien creo que le benefició el hecho de haberse vuelto compositor de películas para adquirir una teatralidad que se aprecia en todo el disco. Te captura desde el inicio con Burn the Witch, te hace sentir pequeño con Daydreaming, y hasta te encuentras con viejas conocidas como Ful Stop, Identikit y Present Tense que son canciones que por años estuvieron fuera de la calidez de un álbum de estudio. True Love Waits culmina esta orfandad musical y también derrumba el concepto de melancolía con una de los más finos momentos de Yorke en las letras; extrañaba a Radiohead y esta alienación hacia su público, o culminó, o es que hemos cambiado.

1.- DAVID BOWIE/BLACKSTAR

“Volvernos estrellas, volvernos arte, ser inmortales” esa es la noción que nos dejó el año pasado, y quién mejor que pueda representar este concepto que David Bowie, quien.. a sabiendas de su fallecimiento, no se rindió, terminó una obra de teatro, y un disco que serviría como carta de despedida al mundo. Su muerte es una sorpresa y sobre todo para mí, quien tendría la desdicha de escuchar Blackstar el día de su muerte. Fuera de esa coincidencia, es un excelente álbum, cuyas canciones sirven como fragmentos a las personalidades de Bowie y a toda su historia y trascendencia, presentando un abanico de estilos que en el pasado ya había intentado. Es la pérdida más fuerte del año pasado, pero por esa misma razón surge un disco que evalúa la capacidad de los artistas frente al final, y toma el valiente paso de volverse oro puro. Es el mejor disco del 2016.